Manel Albouchi  

Mis en scène par Abdelhamid Bouchnak, ‘‘Ragouj, le spectacle’’, est plus qu’une adaptation scénique de la série culte. C’est une alchimie théâtrale : un croisement entre vidéo, danse, musique live, art populaire, geste chorégraphique et cri social. Une écriture scénique neuve, qui emprunte au rituel plus qu’au récit classique. 

Sur scène, 20 danseurs, un orchestre de 40 musiciens dirigés par Hamza Bouchnak, des images projetées, une mémoire en boucle. Et des comédiens devenus icônes : Fatma Ben Saïdane, Walid Ayadi, Bahri Rahali, Aziz Jebali, Fatma Sfar, Yasmine Dimassi, et bien d’autres. 

Et cette réinterprétation du morceau culte de Hédi Guella « يا هل ترى قداش من فرططو », par Khawla Tawes et qui m’a marqué, composent une fresque en mouvement. 

Une esthétique «ragougienne» 

Le mot s’impose. Le style aussi.  

On pourrait dire qu’il s’agit ici de théâtre social. Mais c’est bien plus… c’est bien  organique… c’est le style ragougien né dans la série télévisée et transposé ici avec finesse. 

Qu’est-ce que le style ragougien ? 

Un mélange d’absurde, de réel brut, de satire douce, de lucidité politique et de tendresse tragique. 

Un théâtre qui pleure en riant, qui critique sans se détourner de l’amour, qui expose la violence tout en la transcendant. Une mémoire populaire. 

Ce que j’ai vu 

Les chants de Kafon, les images d’archives, les gestes répétitifs dans la chorégraphie d’Oumaïma Manaï ont transformé les corps en langues muettes : Tout devient symbole, tout nous raconte un pays en état de survie poétique. 

Ragouj incarne ce que Jung appelle le Trickster : le fou sacré, l’idiot divin, celui qui bouleverse l’ordre établi pour révéler l’inconscient collectif. 

Mais ce soir-là, une autre figure a émergé : celle de l’Anima blessée, ces femmes mortes dans les accidents de transport agricole. 

Leur souvenir, leur absence hurlante, était partout : dans les vidéos, dans les chants, dans les foulards colorés qui flottaient sur scène et dans la salle. 

Le fil rouge  

Ce foulard. Je l’ai vu sur les têtes des danseuses. Dans les vidéos d’archives. Dans le look de certaines spectatrices mordues de la série, qui avaient adopté le style «ragougien». 

Mais pour moi, c’était surtout le foulard de ma grand-mère. Et de mon arrière-grand-mère. Un tissu simple, modeste, mais chargé d’une mémoire transgénérationnelle. 

Ce soir-là, à Dougga, sur la terre de mes mères, le foulard était un drapeau. 

Le public : peuple fidèle du silence et du sacrifice 

Ce public-là n’a rien de mondain. Il est affamé de sens, habité par un besoin de beauté, même dans la fatigue. 

Après le spectacle révolutionnaire, on a repris la route vers la capitale administrative, épuisés, le cœur plein. Nous étions un peuple ému, silencieux, fidèle. Et je me suis dit : ce pays mérite mieux. 

Une fête réussie, mais sans lendemain. Quel gâchis, quand on pense à ce que cela aurait pu générer pour la région. 

Car malgré ce succès populaire, aucune infrastructure, aucun hébergement, aucune stratégie. On aurait pu ouvrir les maisons de Dougga, faire travailler les artisans, inventer une économie culturelle vivante. Mais on préfère laisser le miracle mourir avec l’aube.  

Une prêtresse nommée Fatma Ben Saïdane

Sur scène Fatma Ben Saïdane est une prêtresse. Elle ne joue pas. Elle transperce. 

Elle est la parole qui ne tremble pas. 

Elle porte en elle toutes les mères, toutes les blessures, tous les contes qu’on n’a jamais racontés. 

Sa voix est une corde tendue entre les morts et les vivants. 

Ce que ma fille m’a dit 

Ma fille ne parle pas couramment le tunisien. Elle n’a pas regardé la série. Et pourtant, à la fin, elle m’a dit : «Maman, je suis ragougienne. J’ai tout compris. Je veux revenir. Si c’est comme ça le théâtre je veux voir encore des spectacles.» 

Et j’ai su que l’essentiel avait été transmis.  Car un théâtre qui touche même ceux qui ne comprennent pas tout le sens des mots, est un théâtre qui parle à l’âme. Que même les corps dansaient la vérité. 

Et même pour les spectateurs qui n’ont pas vu la série – souvent parce qu’ils ont déserté les médias fatigués par leur médiocrité, ou à cause de la censure sourde – le fil narratif semble peu obscur. Car ce que le théâtre perd en continuité, il le gagne en ouverture. 

Et ce qui importe ici, ce n’est pas la logique du récit, mais la vérité émotionnelle. Et surtout, la scène n’est pas figée : elle vit, respire, évolue. Contrairement à l’écran, elle nous regarde. 

Le Trésor : une offrande 

Ce spectacle est une offrande à ceux qu’on a oubliés. Un théâtre qui gratte, qui murmure, qui réveille, qui déplace, qui bouscule, qui transforme. Un théâtre d’ombres, de lumière, de larmes et de feu. 

Et ce soir-là, à Dougga, malgré le manque de confort, malgré l’absence de vision étatique, malgré la fatigue et le froid… 

La Tunisie est vivante et elle continue de croire au miracle. 

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Après sa première pièce de théâtre « Évasion », l’acteur et metteur en scène Aziz Jebali présentera une nouvelle série théâtrale loufoque où il incarne le personnage de Hamidou, un jeune issu d’une famille conservatrice qui vit dans un quartier populaire et qui se découvre une passion pour le mannequinat et l’univers de la mode ce qui est en désaccord total avec l’éducation reçue par ses parents.

Aziz Jebali fera appel à plusieurs invités tout au long des différents épisodes pour trouver le binôme idéal à son personnage Hamidou. La série théâtrale se poursuivra jusqu’au 26 mai à l’espace El Teatro.

F.B

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Ce n’est pas la première fois que la pièce ‘‘La jeune fille et la mort’’ (mise en scène par Héla Ayed) est jouée. Toutefois, le contexte dans lequel celle-ci a été présentée, lui donne une tonalité singulière et fait ressortir davantage sa raison d’être. Voilà une reprise hautement salutaire, et pour cause. C’est à l’occasion du 5e anniversaire de l’Institut Nebras (Institut de réhabilitation des survivants de la torture en Tunisie) que la pièce a été programmée, et ce le mardi 3 décembre 2019, à l’Espace El Teatro.

Par Abdelfatteh Fakhfakh *

Il faut rappeler que l’institut Nebras se donne pour mission de prendre en charge les victimes de la torture de tout genre. Il part de la conviction que «chaque personne, avec un bon accompagnement et le soutien nécessaire, est capable de retrouver sa résilience et ses puissances humaines afin d’accepter ses séquelles et la rencontre avec la mort qu’ils ont vécue».

Les fantômes du passé

La pièce ‘‘La jeune fille et la mort’’ a été écrite en 1991 par Ariel Dorfman, dramaturge argentino-chilien. Héla Ayed en a assuré l’adaptation aux contexte et dialecte tunisiens. Elle a signé la mise en scène et a interprété un des rôles majeurs, aux côtés d’Abdelhamid Bouchnak et Zied Ayadi.

Dans une maison, partiellement isolée, quelques années après la révolution en Tunisie, Nour, une jeune dame, plutôt nerveuse, attend son mari Mehdi, un brillant avocat, fraîchement nommé par le nouveau pouvoir démocratique comme responsable d’une commission d’enquête sur les crimes passés. Nour avait été arrêtée, torturée et violée par la police secrète de l’ancien régime.

Les retrouvailles de Nour avec son mari, en cette fin de journée, n’ont rien de particulier, n’eût été la nouvelle évoquée de la nomination de Mehdi à la tête de la commission d’enquête. Nour et Mehdi discutent de banalités quotidiennes, leur discussion est parfois entrecoupée par les retours de Nour sur le lourd passé qu’elle a vécu. Prisonnière de ses traumatismes, la jeune femme est décidée à «revenir à la vie», mais elle se sent encore otage de son passé, tandis que Mehdi, au-delà de la solidarité avec son épouse et de l’amour qu’il lui voue, a hâte de la voir tourner «la page de plomb».

La tentation de se faire justice soi-même

Dans cette atmosphère mi-claire, mi-obscure, un fait anodin va faire remonter à la surface ce terrible passé. Ayant eu une crevaison sur le chemin de son retour à la maison, Mehdi a été dépanné par un médecin, un certain Ahmed Ben Mrad. Alors que l’on ne s’y attendait pas, ce dernier, est venu juste pour remettre des documents oubliés par Mehdi dans sa voiture. Mehdi le retient, et insiste pour le présenter à sa femme. Mais, avant même que le médecin ne pénètre dans la maison, Nour croit reconnaître, dans la voix du docteur Ben Mrad, son ancien bourreau.

Décidée à se venger, elle procède à la mise en scène de son procès, sur les lieux, séance tenante. Ce faisant, elle «pousse» son mari à «jouer», bon gré, mal gré, l’avocat de la défense. On s’installe dès lors dans un véritable huis clos, étouffant, lourd, asphyxiant où le docteur Ben Mrad se cantonne dans le déni et où Nour, blessée, fragile, émouvante avance plutôt dangereusement, flirtant par moments avec la folie, emportée par sa colère, ses blessures laissant peu de place, à la raison.

Le bourreau d’hier rattrapé par le temps

Le thème central de la pièce est ce face-à-face entre le tortionnaire et la victime dans un contexte où les rôles sont inversés. Le «hasard» offre à Nour l’opportunité «rêvée» de se venger de son ancien bourreau. Toute victime de tortures peut nourrir à un moment, le désir de prendre sa revanche sur la personne qui l’a humiliée, dégradée, avilie ? Mais un tel sentiment «naturel» mérite toutefois d’être interrogé : peut-on encore parler de justice lorsque nous sommes juges et partie ?

Le tortionnaire d’hier est là, devant nous, «désarçonné», affaibli, il est dans une posture qu’il n’avait jusque là jamais envisagée, sûr que sa victime, dont les yeux étaient bandés au moment de son forfait, ne pourrait jamais le reconnaître. La pièce est faite de suspense, de rebondissements, où la victime d’hier, se muant en bourreau risque de commettre des dérapages.

Héla Ayed, flamboyante et lumineuse

Ce qui frappe est la sobriété du décor, où la scène donne sur un espace, unique, du début jusqu’à la fin, qui se plie aux contraintes de la narration et de la représentation. L’un ou l’autre personnage du trio (le mari, l’épouse et le docteur) est par moments, mis entre parenthèses, et ce pour permettre aux deux protagonistes restants de dialoguer entre eux.

Le jeu est dosé, et si on frôle par moments l’hystérie, on évite la cacophonie et l’excès qui auraient nui à un ensemble, fort, agité, mais au demeurant, équilibré. La musique accompagne le spectacle, elle n’est pas pour autant neutre, ce n’est pas un simple «fond sonore», elle est liée aux douloureux souvenirs, elle apporte sa touche à l’émotion qui est générée par le spectacle dans son évolution et ses rebondissements (une musique signée Schubert).

L’interprétation de Héla Ayed, Abdelhamid Bouchnak et Zied Ayadi est digne de tous les éloges. Vu le poids du personnage dans la pièce interprété par Héla Ayed, celle-ci, véritable femme orchestre de cette œuvre, s’y taille la part du lion. Il reste à signaler l’apport de toute une équipe à ce spectacle parfaitement réussi : Aziz Jebali & Yasmine Dimassi, assistants; Sabri Atrous, pour la scénographie et la lumière et Walid Hassir pour l’Univers Sonore.

* Membre de l’Association tunisienne de la promotion de la critique cinématographique.

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