Ce rendez-vous inédit pris pour jeudi 30 avril 2026, réunira sur scène Patrice Fontanarosa, légende vivante du violon, incarnant depuis plusieurs décennies l’excellence de l’école française sur la scène internationale, Hassen Doss, engagé dans la diffusion du répertoire lyrique et reconnu pour la générosité de son expression, Sabine Riva, dont la précision vocale et la sensibilité artistique servent avec justesse les grandes pages du répertoire et Stéphanie Fontanarosa, dont le jeu conjugue rigueur, finesse d’analyse et sens aigu du dialogue musical.

Réalisé en partenariat avec le Théâtre de l’Opéra de Tunis et la Télévision Nationale Tunisienne, ce concert est produit avec le concours de l’Ambassade de France en Tunisie, de l’Ambassade d’Autriche en Tunisie, du Consulat de Monaco ainsi que de l’Institut français de Tunisie.

Présenté au sein de la Cité de la Culture, cet événement témoigne de l’inscription de Tunis dans un espace de circulation artistique entre l’Europe, la Méditerranée et l’Afrique.

Sa captation par la Télévision Nationale Tunisienne contribuera à prolonger son rayonnement au-delà du temps de la représentation.

Les billets ont en vente en ligne  ,: Fidèle aux valeurs de la Fondation Hasdrubal et de ses partenaires institutionnels, cet événement sera accessible gratuitement aux étudiantes et aux étudiants, sur présentation d’un justificatif de scolarité et dans la limite des places disponibles.

Communiqué

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L’auteur du « Châtiments des hypocrites » et de « La jeune fille et la mère » n’a jamais écrit pour accompagner son époque. Elle écrivait contre elle, contre ses silences, contre ses angles morts.

Journaliste à ses débuts au quotidien Horizons, elle avait très tôt compris que les mots pouvaient être autre chose qu’un simple récit : une ligne de front.

Son œuvre s’est construite dans la tension. Celle de l’exil, d’abord, imposé par la violence des années 1990 en Algérie. Celle, plus intime, d’identités fragmentées, de vies prises dans des contradictions profondes. À travers ses romans, Leïla Marouane a exploré ces failles sans jamais céder à la facilité ni au confort du consensus.

Son dernier livre, paru en mars 2025, prolonge cette démarche. En revenant sur la «décennie noire», elle n’en propose ni une mémoire figée ni un récit apaisé, mais une plongée dans ce que cette période continue de produire : du trouble, de la douleur, et une nécessité persistante de dire.

Dans un paysage littéraire souvent tenté par l’effacement, elle aura choisi la frontalité. Non comme posture, mais comme exigence.

Leïla Marouane laisse une œuvre qui dérange autant qu’elle éclaire. Une œuvre qui refuse l’oubli.

Djamal Guettala 

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Lauréat de l’Académie roumaine et de plusieurs prix littéraires, dont, le Prix européen de poésie francophone, «Léopold Sedar Senghor». Il est l’auteur d’une trentaine d’ouvrages parus en Roumanie et dans divers pays.

Ecrit en roumain et en français. Traduite en différentes langues, sa poésie «répond à une nécessité vitale, elle ne chante pas pour séduire mais pour sauver. Elle constitue un exercice de survie.» (Jean-Max Tixier), Horia Badescu «…nous précède en nos déserts et relève les repères.»  (Luc Norin)

Tahar Bekri

Des automnes, des hivers ont passé,

chaque fois et depuis toujours illusoires

et pourtant si réels,

tel l’air du soir avant qu’il commence à neiger.

Sur l’arête des heures, sur leur fil édenté,

des paroles qui glissent au-dessus

du clavier égaré du premier instant.

Les jours cueilleront dans leurs corbeilles la fournaise,

mais restera tout entière la lumière insatiable qui coule

de l’œil céleste,

et rien de ce qui t’est destiné ne changera,

et rien ne pourra emporter ce qui doit rester

après toi :

un rai,

le murmure d’un chant

tel le susurrement amoureux de l’herbe,

une traînée de sang qui monte du cœur insatiable

du monde,

un signe pour le retour

quand l’horizon plonge dans les eaux,

et seule la sirène du bateau perpétue à jamais

la respiration éternelle

de la mer.

‘‘Celui qui reste debout’’, Editions Pétra, Paris, 2021.

(Remerciements à l’auteur)

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Sous la baguette du Maestro Hafedh Makni, ce concert placé sous le signe de l’échange méditerranéen promet un voyage sonore entre virtuosité et émotion.

L’événement accueillera un invité de marque : le pianiste italien Ludovico Troncanetti. Ce dernier interprétera le célèbre Concerto pour piano n°3 de Camille Saint-Saëns, une œuvre réputée pour sa brillance et sa complexité technique.

La soirée rendra également un vibrant hommage au patrimoine lyrique italien. Le public pourra vibrer au rythme des chefs-d’œuvre de Rossini et Verdi. Ces moments forts seront portés par la puissance du chœur et la sensibilité du violoncelliste Wassim Makni.

Organisé par l’association Musique Sans Frontières en partenariat avec l’Institut Culturel Italien de Tunis, ce concert bénéficie du soutien précieux de l’Office National du Tourisme Tunisien ainsi que de mécènes engagés pour la culture (Fondation Arts et Culture by UIB, BNA Assurances).

Y. N.

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Selon l’Institut Culturel Italien de Tunis, co-organisateur de l’événement, «ce concert offrira au public un voyage à travers la virtuosité et le raffinement orchestral, célébrant la richesse de la musique classique italienne et méditerranéenne, à l’occasion du 70^e anniversaire des relations bilatérales entre la Tunisie et l’Italie».

Le programme comprendra des œuvres de Saint-Saëns et un hommage aux compositeurs italiens, avec des pièces de Gioachino Rossini et Giuseppe Verdi, lors d’une soirée réunissant orchestre, chœur et violoncelle, interprété par Wassim Makni.

Cette initiative, à laquelle participe l’association tunisienne Musique Sans Frontières, s’inscrit dans un programme de coopération culturelle visant à promouvoir la musique classique comme vecteur d’échanges entre la Tunisie et l’Italie. Parmi ses soutiens figurent également l’Office national du tourisme tunisien et la Fondation Arts et Culture.

I. B.

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Manel Albouchi

Sous le commissariat de Michela Margherita Sarti, l’exposition ne cherche ni à illustrer ni à traduire fidèlement l’œuvre de Dante. Elle en propose une relecture contemporaine, où ‘‘L’Enfer’’ cesse d’être un lieu mythologique pour devenir un territoire psychique.

Le texte curatorial donne d’emblée la tonalité : il ne s’agit pas de voir ‘‘L’Enfer’’, mais de s’y reconnaître. L’exposition n’est pas une représentation, c’est un miroir. Et ce déplacement, en apparence subtil, produit une rupture profonde dans la manière de regarder.

Une immersion sensorielle

Dès les premiers pas, le visiteur est plongé dans une atmosphère dense : rideaux noirs, lumières rouges, autel, crânes, bougies, livres, masques, chaînes. L’espace évoque un rituel contemporain, où chaque élément semble chargé de sens. Mais l’expérience ne passe pas uniquement par le regard. Le corps réagit. Avant même toute interprétation, une sensation s’installe : une tension, certes, mais aussi un apaisement inattendu. Comme si cet univers sombre offrait paradoxalement un espace où quelque chose, enfin, pouvait exister sans être nié. C’est peut-être là que l’exposition atteint une justesse rare : elle ne cherche pas à convaincre l’intellect. Elle travaille ailleurs, dans cette zone intermédiaire où les images ne sont pas encore des mots, mais déjà plus que de simples perceptions.

Un motif traverse presque l’ensemble des œuvres : le corps. Fragmenté, déformé, parfois dissocié, il apparaît comme le lieu principal de l’expérience. Non pas un corps idéalisé, mais un corps éprouvé, traversé par des tensions, des contradictions, des excès. Ce traitement fait écho à une réalité contemporaine : celle d’un sujet exposé à une multiplicité de pressions (sociales, psychiques, symboliques) et qui ne se vit plus comme une unité stable. L’exposition ne cherche pas à résoudre cette crise. Elle la montre. Elle la fait ressentir.

Un enfer contemporain

Le dialogue avec Dante Alighieri devient alors vertigineux. Chez lui, l’Enfer était structuré, hiérarchisé, inscrit dans une logique morale. Ici, il devient diffus. Il ne se manifeste plus par la punition, mais par la saturation : saturation d’images, saturation d’émotions, saturation de sens. Un excès qui caractérise largement notre époque.

L’exposition ne propose ni récit linéaire ni conclusion apaisante. Elle oblige le visiteur à rester face à ce qu’il voit ou à reconnaître son incapacité à le faire. Ce choix peut déstabiliser, mais il correspond à une réalité contemporaine : l’effacement progressif des repères collectifs et la nécessité, pour chacun, de construire sa propre lecture. La nécessité de la traversée Au-delà de la proposition artistique, ‘‘Aux portes de l’Enfer’’ pose une question plus intime : Peut-on éviter ce qui, en nous, relève de l’ombre ? L’exposition semble répondre par la négative. Aucune molécule, aucune substance, aucune fuite ni distraction ne peut dissoudre ce qui, en nous, relève de ‘‘L’Enfer’’. Ce territoire intime fait de peurs, de contradictions et de désirs inavoués… ne disparaît pas. Il attend. Et il faut le traverser.

Abandonner tout espoir

Au fond, chacun porte en lui son enfer, sa rédemption, et peut-être, dans un silence plus discret, son paradis. Mais aucun de ces lieux n’est accessible sans passage. C’est peut-être ce que cette exposition murmure, sans jamais l’énoncer frontalement.

Une phrase ancienne, presque oubliée, qui résonne encore «lasciate ogni speranza» (abandonner tout espoir) non pas comme une condamnation, mais comme une invitation radicale : abandonner l’illusion de contourner ce qui doit être vécu et symbolisé. Car entre chute et élévation, il existe toujours un espace de traversée : le purgatoire. Un lieu qui, de tout temps, a eu ses gardiens. Un lieu de transformation lente, exigeante. Un lieu qui ne promet rien, mais qui veille. On n’y entre pas librement. On n’en sort pas indemne. Et pourtant, c’est là que quelque chose se joue.

Une exposition à vivre

On quitte ‘‘Aux portes de l’Enfer’’ sans certitude, sans explication claire. Mais avec quelque chose de plus précis : une sensation persistante. Comme si l’expérience ne s’arrêtait pas à la sortie, mais continuait ailleurs.

Dans un contexte où les images sont souvent consommées rapidement, ‘‘Aux portes de l’Enfer’’ propose une temporalité différente : plus lente, plus introspective. Une exposition à voir, bien sûr. Mais surtout à ressentir.

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«Méconnue en France, la poésie tunisienne arabophone fait pourtant montre d’une grande richesse depuis les années 1980. Après un passage du néoclassicisme au romantisme puis à des formes modernes, elle adopte vers libre et prose, portée par plusieurs influents poètes majeurs», notent les organisateurs. Ils ajoutent que cette rencontre voudrait attirer l’attention sur la richesse et la vitalité de la poésie tunisienne de langue arabe, particulièrement depuis les années 1980. 

Au début des années 1930, la poésie tunisienne arabophone était brillamment passée, avec Abulkacem Chebbi (1909-1934), du néoclassicisme au romantisme, avant d’évoluer à son propre rythme vers des conceptions plus modernes, sans rompre avec la métrique classique. Ce, avant de suivre la voie tracée par la révolution du langage poétique en Irak et au Liban en adoptant progressivement le vers libre et le poème en prose. 

Outre Abû al-Qassim al-Chabbi, les sept autres poètes choisis comptent sans nul doute parmi les plus novateurs et les plus influents : Habib Zannad (né en 1946), Moncef Ouhaibi (né en 1949), Mohammad Ghozzi (1949-2024), Jamila Méjri (née en 1951), Moncef Mezghanni (né en 1954), Sghaïer Ouled Ahmed (1955-2016) et Amel Moussa (née en 1971).

Une nouvelle séance sera organisée au cours des prochains mois, mettant l’accent sur la création poétique tunisienne arabophone depuis l’an 2000.

La séance, qui sera présentée par Farouk Mardam-Bey,proposera un récital en arabe et en français avec accompagnement musical au qanoun. Les poèmes qui seront lus par Samara Jaad (en arabe) et Marie-Stéphane Cattaneo (en français), sont traduits de l’arabe par Tahar Bekri et extraits de son livre ‘‘Poètes Tunisiens’’ paru l’année dernière aux Editions Nehed. Les lectures seront accompagnées au qanoun par Hend Zouari.

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Ce projet organisé en mars a été consacré à la valorisation des produits du terroir tunisiens, indique l’ambassade du Canada en Tunisie dans un communiqué publié ce jeudi 9 avril 2026, en précisant que toutes les personnes mobilisées pour la réussite de cette belle initiative.
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Pendant trois jours, il a réuni des acteurs clés du secteur agricole, des professionnels de l’agroalimentaire, des chefs cuisiniers, ainsi que des participants issus des industries créatives, notamment des professionnels et étudiants en design de produits.

Échanges inspirants, démonstrations culinaires, ateliers participatifs et activités de co‑création ont mis en lumière la richesse des produits locaux, le savoir‑faire des productrices, ainsi que des solutions innovantes pour des filières plus durables et résilientes.

Comme il a été souligné lors de l’ouverture du séminaire par la Cheffe de Coopération canadienne : « La valorisation des produits du terroir est un levier puissant de développement durable, lorsqu’elle s’appuie sur les savoir‑faire locaux, l’innovation et la collaboration entre des acteurs aux expertises complémentaires. ».

Communiqué

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Cette manifestation scientifique, initiée par le groupe de réflexion et d’étude sur la littérature tunisienne d’expression française, réunira des chercheurs et universitaires autour des multiples expressions de la poésie francophone en Tunisie, en interrogeant ses dynamiques esthétiques, ses filiations littéraires et ses ouvertures intermédiales.

La séance inaugurale, à 09h00, modérée par le Professeur Kamel Gaha, sera suivie de communications portant notamment sur les œuvres de Mohamed Jamoussi, Marius Scalési, Salah Garmadi, Amina Saïd, Abdelaziz Kacem et Lorand Gaspar, à travers des approches critiques variées, allant de l’intermédialité à l’écopoétique.

A la deuxième séance, 14h30, modérée par le Professeur Samir Marzouki, les communications aborderont des problématiques liées à la quête de soi dans l’écriture poétique, aux rapports de filiation et d’hommage, aux interactions entre texte et image, ainsi qu’à l’évolution éditoriale de la poésie en Tunisie, notamment à travers le catalogue des éditions Arabesques (1991–2026).

Ce colloque constitue une occasion privilégiée de réflexion et d’échange autour de la richesse et de la diversité de la poésie francophone tunisienne, dans ses dimensions à la fois historiques et contemporaines

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Manel Albouchi

Très vite, une évidence s’impose : il n’y aura pas de récit au sens classique. La pièce ne construit pas une continuité, elle fragmente. Sur scène, quatre figures féminines portées par des présences fortes (Amina Bdiri, Selima Ayari, Arwa Rahali et Sourour Jebali). Avec leurs sacs à main comme héritage, elles évoluent dans un espace où les cadres en mouvement constant qui empêchent toute fixation du regard. Ce que l’on voit n’est pas un chaos, mais une succession de fragments : un réel qui ne se transforme pas en expérience. Des apparitions. Des disparitions. Un déjà-vu qui ne produit plus de reconnaissance, mais une forme de saturation  

Des cadres qui ne contiennent plus  

Peu à peu, un décalage s’installe. Le spectateur voit, mais ne parvient plus immédiatement à interpréter. La compréhension se suspend. C’est dans cet intervalle que se joue le cœur de la pièce : une dissociation entre perception et symbolisation. Ce déplacement est décisif. Il marque le moment où le sujet/spectateur cesse de maîtriser la scène et commence à être affecté par ce qui lui échappe encore. L’expérience devient moins cognitive que sensible, mais sans pour autant basculer dans l’émotion pure.  

Les cadres présents sur scène bougent, se déplacement, ne remplissent pas leur fonction habituelle. Ils ne délimitent plus. Or, le cadre esthétique ou psychique est ce qui, d’ordinaire, permet de donner forme au réel. Ici, cette fonction vacille. Ce n’est pas l’absence de structure qui est montrée, mais l’impossibilité de s’y adosser durablement. Les repères symboliques existent encore, mais ils ne suffisent plus à stabiliser l’expérience.  

Le corps morcelé, traversé, saturé 

Dans cet espace instable, le corps ne constitue plus un point d’ancrage. Il apparaît morcelé, traversé, saturé. Il ne garantit plus une unité du sujet/acteur. L’acteur ne s’incarne plus pleinement sur scène ; il y circule. Et le corps ne représente plus une identité : il devient une surface d’inscription, exposée à des flux multiples : masques, objets, paroles, tensions. Le jeu de lumières, loin d’ancrer les figures, participe aussi à cette mise à distance du corps comme lieu stable d’identité.    

Le langage, loin de clarifier, contribue à la saturation générale. On y retrouve plusieurs figures : un narrateur indésirable (Hedy Hlel), qui impose une parole qui sature plus qu’elle ne relie. Un médiateur (Mehdi El Kamel), qui tente de relier, mais sans autorité réelle. Un harceleur textuel, incarné par Taoufik Jebali lui-même, traversant la scène avec une lampe comme une irruption.

Le langage ne manque pas, il déborde : un excès de discours qui n’aboutit plus à une véritable symbolisation. C’est ici que se pose une question plus large, qui dépasse la pièce elle-même : Sommes-nous encore capables de produire du sens… ou nous contentons-nous de le reproduire ?  

Une topique en tension  

À travers ces figures, une lecture possible émerge :

– le narrateur comme une instance de contrôle, une forme du surmoi,

– le médiateur comme un moi affaibli,

–  le harceleur comme instance pulsionnelle.

Cette lecture évoque une topique classique, héritée de Sigmund Freud. Mais elle ne suffit pas à rendre compte de ce qui se joue. Car une quatrième dimension s’introduit.  

‘‘Le quatrième humain’’ n’est ni nommé, ni incarné de manière stable : un spectre. Il agit comme une présence sans statut défini. Il ne semble pas pris dans les dynamiques du désir, du conflit ou du manque. Il observe, traite, opère.

Cette figure peut être comprise comme l’indice d’une transformation plus profonde : l’émergence d’une instance qui échappe aux coordonnées classiques du sujet. Ni ça, ni moi, ni surmoi mais une forme d’intelligence opératoire, sans ancrage affectif.  

Vers une externalisation du moi  

Si le moi est ce qui transforme l’expérience en sens, alors une question centrale se pose : que devient-il lorsque cette fonction est partiellement externalisée ? Dans un environnement saturé d’outils, de réponses et d’anticipations, le risque apparaît : celui d’un moi qui ne symbolise plus pleinement, mais qui reçoit, traite et redistribue. Un spectre «sur cloud», allégé de ses conflits, mais aussi de sa profondeur.  

Ce que met en scène Taoufik Jebali n’est pas une rupture spectaculaire. Il s’agit plutôt d’une érosion progressive : du sens, de la tension, de la nécessité. La pièce n’est ni tragique ni comique. Elle installe une forme de neutralité, parfois proche de la fatigue. Une condition contemporaine où tout semble possible, sans que rien ne soit réellement engageant.  

D’un déjà-vu à une tension persistante  

D’un point de vue critique, ‘‘Le Quatrième Humain’’ s’inscrit dans des codes désormais identifiables du théâtre contemporain : fragmentation du corps, déconstruction du récit… Le risque est alors celui d’une reconnaissance trop rapide, d’un déjà-vu. Mais la pièce échappe en partie à cette limite par sa scénographie, qui empêche toute fixation du regard. Et d’un choix fort de Taoufik Jebali de ne pas contraindre l’interprétation.

En effet, la pièce ne ferme pas le sens. Ni, ne propose de résolution. Elle laisse au spectateur : une marge, un espace, un temps. Et c’est dans cet espace que quelque chose peut advenir : non pas une compréhension immédiate, mais un travail d’intégration différé.  

‘‘Le Quatrième Humain’’ ne cherche pas à être immédiatement compris. Il installe le spectateur dans un entre-deux : entre voir et comprendre, entre percevoir et symboliser. C’est peut-être là que réside sa force : dans cette capacité à maintenir ouvert un espace où le sens n’est plus donné, mais à reconstruire.

* Prochaines représentations les 9, 10 et 11 avril 2026 à 19h30 et le 12 avril 2026 à 17h, à l’espace El Téatro – El Mechtel, Tunis.  

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